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Picasso und die Materie des Körpers

Eine der wichtigsten Ausstellungen dieses Jahres zum Gedenken an ein halbes Jahrhundert seit Picassos Tod wurde im Mai in Málaga eröffnet. Das Picasso-Museum präsentiert unter der Leitung von Carmen Giménez, der ersten Direktorin des Museums, die Ausstellung "Picasso der Bildhauer. Materie und Körper", die im Herbst ins Guggenheim in Bilbao wandern wird und die bisher umfangreichste Ausstellung über die bildhauerische Produktion des Künstlers ist.


Im Mittelpunkt dieser Ausstellung steht wie bei den meisten Werken des in Málaga geborenen Künstlers der Körper als Instrument des Künstlers, aber auch als ultimatives Ziel der Darstellung. Die hier versammelten Werke stammen aus der Zeit zwischen 1909 und 1964 und umfassen somit die produktivsten Perioden seines Schaffens und sehr unterschiedliche Anliegen. Außerdem wurden sie aus einer breiten Palette von Materialien hergestellt, von Holz über Bronze, Eisen, Gips, Zement und Metall.


Diese Kontinuität im Umgang mit den drei Dimensionen und die Vielfalt der Stile und Techniken, die er in seinem bildhauerischen Werk einsetzte, beweisen, dass diese Disziplin für Picasso keine untergeordnete oder sekundäre Sprache war, sondern eine seiner Ausdrucksformen neben der Malerei, der Zeichnung, der Gravur und der Keramik: Jede von ihnen ermöglichte es ihm, verschiedene Aspekte seines Werks auszudrücken, und bei mehr als einer Gelegenheit betonte er, dass er keine Hierarchien aufstellte. Dies gilt vor allem ab seiner kubistischen Phase, aber schon zu Beginn seiner Karriere schuf er Skulpturen mit der Freiheit eines Autodidakten, der sich nicht scheute, Regeln in Frage zu stellen. Viele dieser frühen Werke begleiteten ihn sein ganzes Leben lang, von Werkstatt zu Werkstatt und von Wohnung zu Wohnung, wie man auf vielen Fotos sehen kann (und in den verschiedenen Ausstellungen mit Bildern des Künstlers, die in den letzten Wochen programmiert wurden, wie die von Blanca Berlin, dem Picasso-Museum in Buitrago und dem Zentrum Fernán Gómez). Sie waren nicht nur Teil seines Hauses, sondern er arbeitete im Laufe der Zeit auf der Grundlage ihrer Motive und Entwicklungen.


Die Ausstellung in Málaga bringt die Skulpturen in einen Dialog mit den Leinwänden aus seiner Sammlung, ebenso wie sie fertige Stücke und Modelle und als wichtig erachtete Werke mit anderen, weniger beachteten Werken in Beziehung setzt. Auf diese Weise kann sich das Publikum einen vollständigen Überblick über seinen Weg durch den Kubismus, die Abstraktion, das Primitive und das Fundstück verschaffen, wobei der Körper, wie gesagt, im Mittelpunkt steht.


Die erste Ausstellung, die dem bildhauerischen Schaffen des Autors von Guernica gewidmet war, fand erst 1966 statt, als er bereits fünfundachtzig Jahre alt war. Sie wurde vom Petit Palais in Paris organisiert und brachte Dutzende von Werken zusammen, die der Künstler jahrzehntelang aufbewahrt hatte. Es wird geschätzt, dass es siebenhundert seiner Skulpturen waren, im Vergleich zu den fast 4.500 Leinwänden, die er produzierte. Aber eine angemessene Überprüfung von Picassos Entwicklung müsste ihre gegenseitigen Einflüsse und Verschiebungen jenseits der Zahlen berücksichtigen; seine Neuerfindungen nahmen nicht nur in verschiedenen Disziplinen Gestalt an, sondern schufen neue Verbindungen zwischen ihnen.


Unter seinen frühesten Werken in Málaga finden wir seine erste Arbeit in Ton, die sitzende Frau (1902), die noch in Barcelona im Atelier seines Bildhauerfreundes Emili Fontbona entstand, sowie den Kopf einer Frau (Fernande) (1909), der eindeutig kubistische Züge trägt. Nur drei Jahre später hatte er bereits die Richtung gewechselt, indem er den Raum in bildhauerisches Material verwandelte, als dies noch ein Novum war: seine Serie von sechs polychromen Bronzen Copa de absenta (Absinthbecher, 1914), in der die Leere auf Transparenz hinweist, war daher sehr überraschend. Zu dieser Zeit, Mitte der 1910er Jahre, begann er auch, naheliegende Materialien wie Schnur, Papier, Pappe, Sand, Federn, Weißblech und Leim in seine Werke einzubauen. Diese Mittel sollte er etwa zehn Jahre später nicht mehr verwenden, wobei eine Gitarre von 1924 das letzte Werk ist, das nach diesen Parametern entworfen wurde, bevor er unter den Einfluss des Surrealismus geriet.


In den späten 1920er und frühen 1930er Jahren entwarf Picasso in Anlehnung an seine Zusammenarbeit mit Julio González Konstruktionen aus geschweißtem Eisen und später Figuren menschlicher Formen aus Holz oder Gips, Elemente, die eine stärkere Andeutung von Sinnlichkeit erlaubten. Fünf dieser Werke, die in Boigeloup entstanden, wurden im spanischen Pavillon auf der französischen Weltausstellung 1937 gezeigt.


Sein nächstes Atelier war das Grands-Augustins, wo er einen speziellen Bereich für die Schaffung von Skulpturen einrichtete. Wenn in den vierziger und fünfziger Jahren Familien- und Alltagsszenen auf seinen Leinwänden dominierten, so war dies auch in den drei Dimensionen der Fall. Sein neues Interesse an der Keramik, das durch Georges und Suzanne Ramié in ihm geweckt wurde, hatte mit seiner Niederlassung in Vallauris im Jahr 1948 zu tun, wo er auch zahlreiche Assemblagen schuf.


Diese Arbeiten begleiteten ihn, als er sich in Cannes, dann in Vauvenargues und Mougins niederließ: seine Häuser waren praktisch innere Skulpturengärten, wie sie von Henri Cartier-Bresson, Robert Douisneau, Irving Penn oder David Douglas Duncan verewigt wurden. Wir können davon ausgehen, dass er es vorzog, diese Werke weder in seinen Ausstellungen zu zeigen noch zu verkaufen, weil er wollte, dass sie Teil seines Alltags bleiben.


In der fünfziger Jahre verwendete er unter anderem altes Holz, Möbelstücke und Metallplatten. Einige dieser Projekte wurden von dem Kunsthandwerker Joseph-Marius Tiola in Blech umgewandelt und in ein größeres Format gebracht und sogar bemalt (bei anderen durfte der Rost seine Spuren hinterlassen). In Werken dieser Zeit, wie z.B. Bathers, nahm die Leere weiterhin die gleiche strukturelle Bedeutung ein wie die Volumen.


Diese Entwicklung hin zu größeren Dimensionen setzte sich in den sechziger Jahren fort: Carl Nesjar überzeugte Picasso davon, seine Entwürfe zu vergrößern, damit sie in verschiedenen Städten im Freien gezeigt werden konnten, und aus demselben Grund widerstandsfähigen Beton zu verwenden. Wir werden im Zentrum von Málaga ein Modell für die Skulptur des Richard J. Daley Centers (1964) sehen. Das fertige Werk ist 20 Meter hoch, aus Stahl und seit 1967 vor dem Civic Center in Chicago zu sehen: Es ist ein geometrisches Gesicht, dessen Volumen durch die Kontraste zwischen Leere und Materie angedeutet wird.


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